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Sie untersuchen mit ihren Werken vor allem die Wirkung optischer Effekte insbesondere in ihrer Übersteigerung mit allen damit verbundenen Implikationen. 1 Daraus ergibt sich, dass die Kunstwerke die Funktion von Behelfen haben. Sie stellen im herkömmlichen Sinn nichts dar, sondern sollen dem Gegenüber ermöglichen, eigene Erfahrungen zu machen. Die geistig-mentale Dimension wird durch eine physische ergänzt, kann ein Werk sogar Schwindel auslösen. Begriff Op Art Der Begriff Op Art, kurz für Optical Art [Optische Kunst], wurde 1964 vom Kritiker Jon Borgzinner im Time Magazine geprägt. Er verwendete ihn sowohl in einer Rezension von Julian Stanczaks Ausstellung "Optical Paintings" in der Martha Jackson Gallery wie auch dem Vorschauartikel "Op Art: Pictures that Attack the Eye" für die Ausstellung "The Responsive Eye" im New Yorker Museum of Modern Art (Februar 1965). Schnell breitete sich die Bezeichnung aus, wobei die damit bezeichneten Kunstschaffenden nicht nur begeistert darauf reagierten.
Oftmals entstanden Werke der Op Art in serieller Konzeption. Eine Vorläuferrolle haben bezüglich einer "optical art" Futurismus, Dada und Konstruktivismus inne, die schon vor dem Zweiten Weltkrieg mit derartigen Effekten experimentierten. In den 1930er und 1940er Jahren sind bereits erste Vorstufen der Op Art auszumachen. Ihre endgültige Ausprägung wurde von Victor Vasarely (1908-97) und Josef Albers (1888-1976) getragen, die beide Einflüsse des Bauhauses verarbeiteten, insbesondere den effektvollen Konstruktivismus von László Moholy-Nagy. Ab der ersten bedeutenden Op Art-Ausstellung von 1964/65 in New York verbreitete sich die Strömung. Jésus Raphael Soto, die Engländerin Bridget Riley, Victor Vasarelys Sohn Jean-Pierre Yvaral, die Gruppe "ZERO" mit den Lichtreliefs von Heinz Mack, Cruz Diez, Julio Leparque und Youri Messen-Jaschin sind neben den bereits Genannten als Hauptvertreter anzuführen.
Ende der 1960er Jahre war die Op-Art-Bewegung verblasst. Was ist Op-Art? – Eigenschaften Op Art kann als eine Art abstrakt oder definiert werden konkrete Kunst Bestehend aus nicht gegenständlichen geometrischen Formen, die verschiedene Arten der optischen Täuschung erzeugen. Beim Betrachten von Op-Art-Bildern kann das Auge beispielsweise ein Bewegungsgefühl (z. B. Anschwellen, Verziehen, Blitzen, Vibrieren) auf der Oberfläche des Gemäldes feststellen. Und die in diesen Bildern verwendeten Muster, Formen und Farben werden in der Regel aufgrund ihrer Illusionseigenschaften und nicht aufgrund ihres inhaltlichen oder emotionalen Inhalts ausgewählt. Darüber hinaus verwenden Op-Künstler sowohl positive als auch negative Räume, um die gewünschten Illusionen zu erzeugen. Wie Op-Art funktioniert Die Op-Art nutzt die funktionelle Beziehung zwischen der Netzhaut des Auges (das Organ, das Muster "sieht") und dem Gehirn (das Organ, das Muster interpretiert). Bestimmte Muster verursachen Verwirrung zwischen diesen beiden Organen, was zur Wahrnehmung irrationaler optischer Effekte führt.
Doch auch heute – fast 60 Jahre später – können wir uns immer noch von ihrer Wirkungskraft überzeugen. Op-Art begegnet uns überall: im Alltag, in der Mode, der Computerkunst und im Design, aber auch in der Kunstlandschaft durch eine lange und erfolgreiche Ausstellungsgeschichte, von Paris, über New York bis nach Frankfurt. Wie ein Nachbild bleibt die Op-Art am Puls der Zeit haften und fordert auch heute noch unsere Sehgewohnheiten heraus. Die Autorin Svenja Grosser ist wissenschaftliche Volontärin im Sammlungsbereich Gegenwartskunst. Mehr zu Victor Vasarely und seiner Op-Art erfahrt ihr im multimedialen Digitorial ® zur Ausstellung. Wer noch mehr lernen möchte über die unzähligen Kunstbewegungen der Moderne, sollte sich unseren kostenlosen Onlinekurs anschauen.