Kleine Sektflaschen Hochzeit
Magnolias ist ein Stillleben, das 1945 von einer der größten Künstlerinnen Mexikos, Frida Kahlo de Rivera (1907-1954), geschaffen wurde, die auch eine prominente kommunistische politische Aktivistin ihrer Zeit war. Das Kunstwerk ist Öl auf Masonit-Hartfaser und hat Abmessungen von 57 cm Breite und 41 cm Höhe. Es ist heute Teil der Sammlung Balbina Azcárraga in Mexiko-Stadt, der Hauptstadt Mexikos. Kahlo folgte in dieser Arbeit dem Stil der sogenannten Naiven Volkskunst (Primitivismus). Die meisten ihrer Gemälde im Stilleben-Genre wurden von der natürlichen Schönheit ihrer geliebten Heimat inspiriert. In diesem Bild fängt sie sehr gut die frische und saubere Schönheit des Magnolienbaums oder -strauchs mit ihren großen, typisch cremefarbenen und wachsartigen Blüten ein, die als Zierpflanzen weit verbreitet sind. Die Tugend der Magnolien liegt in der Tat hauptsächlich in ihrer Einfachheit, ergänzt durch ihre nicht so offensichtliche tiefere symbolische Bedeutung. Die Magnolienblüte steht traditionell für Würde und Adel, zwei Hauptprobleme, mit denen Mexikos indigene Völker in einem postkolonialen politischen Umfeld konfrontiert sind.
Diese Arbeit wurde 1951 für Dr. Fastlicht als Bezahlung für zahnärztliche Arbeiten fertiggestellt, die er an Frida Kahlo durchgeführt hatte. Das Medium ist Öl auf Leinwand und gehört derzeit zur Privatsammlung von Dr. Samuel Fastlicht.
Die gemalte Umrandung in diesem Werk liefert den Titel "Der Rahmen", und es ist diese Berührung, die es von ihren anderen Selbstporträts unterscheidet. Die mexikanische Kunst verwendet seit langem bestimmte Gegenstände wie Blumen und Vögel als wiederkehrende Themen, die dem Rahmen dieser Arbeit hinzugefügt wurden. Die leuchtenden Farben passen zu ihrer eigenen typischen Farbpalette und tragen weiter dazu bei, eine äußere Schönheit und eine fast festliche Feier darzustellen. Auf dem Porträt platziert Kahlo eine einzelne Blume zusammen mit einem einfachen Band auf ihrem Kopf. Seit seiner Fertigstellung im Jahr 1938 und dem Verkauf ein Jahr später hat sich der Zustand des Kunstwerks langsam verändert, wobei die Blumenmusterarbeiten über dem Porträt langsam verblassen. Im Laufe der Zeit tauchten immer mehr von Fridas Selbstporträts hinter dem Rahmen auf. Dies hat diesem Stück eine fast organische Natur verliehen. Es kann als eines der berühmtesten Gemälde von Frida Kahlo angesehen werden, neben Gemälden wie The Broken Column, The Two Fridas und The Wounded Deer.
Der Traum oder das Bett ist ein Ölgemälde von Frida Kahlo aus dem Jahr 1940. In den Kunstwerken verwendet sie einen soliden surrealistischen Unterton, um Schlaf, Tod und Träume zu beschreiben. Auf dem Gemälde schläft Frida in einem Bett, das einem Himmelbett nachempfunden ist, in dem ein Weinstock in einer oberflächlich unsicheren Lebenskette an ihrem Körper entlang klettert. Außerdem schläft ein mit Sprengfallen versehenes und erwachtes Skelett auf der Spitze und zeigt unablässig die unvermeidliche Realität des Todes. Das Thema und der Ton des Kunstwerks Frida Kahlo repräsentierte früher die schwarzen Gefühle des Kunstwerks und bezeichnete es als humorvolle Erinnerung an den Tod. In der realen Welt schlief Frida neben einem Pappmaché-Skelett auf ihrem Himmelbett. Dieses Artefakt ist irgendwie seltsam, vor allem wegen der Skelettfigur. Der Ton des Gemäldes ist stark mit der mexikanischen Kultur verbunden, die ihr Hintergrund war. In dieser Kultur koexistieren die Lebenden und die Toten in Harmonie.
Meine Geburt wurde auch kurz nach Kahlos Fehlgeburt geschaffen, und viele glauben, dass das Gemälde ihre Gefühle und Emotionen über den Verlust ihres eigenen Kindes darstellt. Das Gemälde entstand auch nicht lange nach dem Tod von Kahlos Mutter, vielleicht ist das verdeckte Gesicht der gebärenden Mutter also auch ein Zeichen des Respekts für ihre kürzlich verstorbene Mutter. Dieses Gefühl der Trauer wird auch durch das Gemälde dargestellt, das über dem Geburtsbett hängt, das der Jungfrau der Schmerzen, die die Szene beobachtet, die sich vor ihren Augen abspielt, aber sie ist machtlos, etwas dagegen zu tun. Sie kann weder helfen noch aufmunternde Worte sagen. Meine Geburt hat die Kunstgemeinschaft sehr gespalten, und viele Kunstliebhaber haben sich entschieden, das Gemälde nicht zu mögen. Die Sängerin Madonna hingegen liebt das Gemälde und nutzt es, um herauszufinden, ob die Menschen in ihrem Leben wirklich ihre Freunde sein können. Wenn sie das Gemälde genauso lieben wie sie, dann werden sie ihr Freund fürs Leben sein.
Die scharfen Rottöne kontrastieren schön mit den weicheren Grün- und Blautönen, die in der Malerei verwendet werden. Durch das Zeigen dieser Rottöne konnte Frida ein Lebensgefühl aus den Wassermelonen ausstrahlen, was wiederum im Gegensatz zu ihrer schlechten Gesundheit und dem anschließenden Tod steht. Diese Art von Dualismus ist in ihren Arbeiten häufig. Sie fertigte auch viele andere Stillleben an, von denen viele Melonen und andere tropische Früchte enthalten. Fridas letzte Arbeit beinhaltet ihren charakteristischen Stil des Dualismus sowie die klare und beabsichtigte Verwendung von hellen und lebendigen Farben, um die Aufmerksamkeit des Betrachters von den flachen und dunkleren Farben des Hauptfokusbereichs abzugrenzen. Hier scheint es das rote Fruchtfleisch in jeder Wassermelone zu sein, das die meiste Aufmerksamkeit auf sich zieht. Acht Tage vor ihrem Tod steht auf der unteren Wassermelone in ihrem roten Fruchtfleisch: "VIVA LA VIDA – Coyoacán 1954 Mexico", was auf Englisch "Lang lebe das Leben" bedeutet, gefolgt von ihrem Geburts- und Todesort sowie dem Datum der malen.
Das lyrische Ich sagt direkt, was es sieht, ohne etwas zu verschönern oder zu übersehen. Anstatt eine verherrlichte Form der Stadtbewohner werden diese so beschrieben, wie sie von dem lyrischen Ich gesehen werden ("Menschenmüll (Z. 4)). Das Gedicht ist also als ein typisch expressionistisches Werk anzusehen und beschreibt die Auflehnung und den Schrei nach einer Veränderung unserer Gesellschaft.
"Vom Rauch der Nacht wie Eiter einer Pest". Dieser Vergleich ist der Abgrund dieses Sonetts. Die Verwendung der prägnanten Metapher "Aufspritzt Berlin" zeigt dem Leser deutlich, welch widerwärtige Situation in der Stadt herrscht. Der Expressionismus in der Literatur entstand aus dem Krisenbewusstsein. Auch heute hat die Stadt viele Krisen und Probleme zu bewältigen. Gedichtinterpretation "Auf der Terrasse von Cafe Josty" (Paul Boldt) › Schulzeux.de. Heute ist jedem Menschen freigestellt, ob er sich für das Anonyme Leben in der Stadt oder für das kontaktfreudige Leben auf dem Land entscheidet.
Die Überschrift des Gedichtes lässt auf eine Beobachtung des Platzes bei Tag vermuten, jedoch vergleicht das Gedicht die selbe Situation bei Tag und Nacht. Die Metapher "vergletschert alle hallenden Lawinen" (V. 2), drückt aus, dass man durch den erdrückenden Lärm auf dem Platz in einen Trance Zustand versetzt wird. Denn Lawinen sind ein schnelles Ereignis, wohingegen eine Vergletscherung ein langsamer Vorgang ist. Dies ist ebenfalls auch eine Antithese 3 und nimmt Kritik an der Stadt. Mit der Metapher "Menschenmüll" (V. 4) wird der Mensch sogar unter Straßenbahnen und Autos gestellt, da er als Abfall in dieser Situation gilt und die Kulisse des Potsdamer Platzes stört. In der zweiten Strophe wird erwähnt, dass Menschen über den Asphalt fließen würden (vgl. V. Die Sackgasse der Metropole – Deutschkurs. 5). Dieses Symbol zeigt, dass in dieser Masse keine Individualität mehr zu erkennen ist Und die Menschenströme "rinnen" (V. 5) alle in die selbe Richtung. Auf den Persönlichkeitsverlust wird durch den Vergleich "Schwimmen wie Sonnenlicht durch dunklen Wald" (V. 8) ebenfalls aufmerksam gemacht.